Massimo Gasparon, autore di regia, scene e costumi, ha voluto rappresentare in dittico sullo stesso palcoscenico e nella stessa giornata l’oratorio di Vivaldi ed il capolavoro giovanile di Verdi con lo scopo di avvicinare concettualmente due opere fra loro lontane nel tempo, ma di sorprendente affinità nello sviluppo delle trame.
Antonio Vivaldi fa di Juditha l’eroina che per riscattare il suo popolo oppresso uccide senza indugio il generale Holfernes anticipando Verdi, che rende parimenti il medesimo personaggio nel nome di Odabella che domina Attila uccidendolo, liberando così suo popolo conquistato. Massimo Gasparon non tradisce il suo stile elegante, essenziale, sobrio, ma allo stesso tempo impeccabilmente anonimo. La scena, che è identica per entrambi gli allestimenti, è formata da quattro semplicissime colonne marmoree. Al di sopra di queste si adagiano dei leggerissimi architravi che chiudono il palcoscenico come eleganti cornici. Ai fianchi ed al centro corrono sontuose gradinate bianche che, intersecandosi tra loro, permettono ai protagonisti entrate ad effetto.
I costumi sono l’elemento principale dell’allestimento: mantelli di seta cotta colorati, abiti di lino bianchi, luminosi copricapo dorati e leggerissimi  candidi pepli superbamente pieghettati, arricchiti da opulenti gioielli in oro, grandi bracciali, importanti collane e scintillanti diademi. Le luci di Vincenzo Raponi, sapientemente calibrate, sottolineano e valorizzano questa atmosfera quasi onirica. I movimenti in scena sono essenziali ma nell’insieme, espressivi.
Riccardo Frizza ha diretto impeccabilmente l’Orchestra regionale delle Marche, passando da una direzione barocca (anche se con un gusto decisamente più  “neoclassico”), per la “Juditha Triumphans”, ai ritmi vivaci e a tratti impetuosi di  “Attila”. Ottimo il Coro diretto dal Maestro David Crescenzi, che ha dato nuovamente prova di grandissima bravura e professionalità.
Miljana Nikolic, Juditha, è emersa per la sua bellezza giunonica e per la voce pastosa e suadente. Nmon Ford, che ha sostituito sin dalle prove il controtenore siriano Razek Francois Bitar, si è imposto  più per il suo fisico scultoreo che per le qualità vocali e stilistiche  che la parte di Holofernes imporrebbe.  Molto concentrato  ad atteggiarsi scenicamente  cercando così di compensare i vistosi limiti vocali. Non si capisce secondo quale criterio sia stato scelto un basso, visto che il ruolo è  stato scritto per la voce di contralto. 
Giacinta Nicotra, nel ruolo dell’eunuco Vagaus, ha dato prova di possedere delle rarissime qualità di interprete e  una voce ferma,  sicura, agilissima. La sua esecuzione dell’aria “Armatae face” è stata salutata da  ovazioni ed applausi più che meritati. Un vero successo personale. Daninia Rodrìguez è stata una Abra corretta, sempre composta e dalla vocalità morbida e pulita, scenicamente credibile ed espressiva. Alessandra Visentin nel ruolo di Ozias è vocalmente e scenicamente funzionale allo svolgersi della trama.
Ritroviamo Nmon Ford nel ruolo di Attila. Anche in Verdi il risultato è  indubbiamente modesto. Partendo dal presupposto che il baritono panamense-americano non ha assolutamente la vocalità verdiana  e l’autorevolezza  scenica per affrontare ad ora questo ruolo, il suo Attila è scialbo, incolore e con evidenti  difficoltà vocali.
Claudio Sgura è stato un autentico “generale romano”. Scenicamente autorevole e nobile, Sgura ha cantato con voce  bronzea potente, ampia, tale da soverchiare il povero  Nmon Ford.
Maria Agresta, nel ruolo di Odabella, ha mostrato di essere una cantante di non comuni potenzialità. Già a partire dalla sua aria d’esordio ha mostrato di possedere un registro acuto sicuro e svettante, abile nelle agilità. Poi, nell’”andantino” Oh, del fuggente nuvolo canta con grande dolcezza  ed espressività sfoggiando delle mezzevoci.
Il Foresto di Giuseppe Gipali è interpretato  con  gusto e una buona tecnica vocale, un  registro acuto sicuro e un fraseggio nobile – qualità che  vanno a compensare  i limiti di volume. Bravi  Enrico Cossutta (Uldino) ed Alberto Rota (Papa Leone). Il pubblico del Teatro Lauro Rossi ha regalato applausi ed apprezzamenti a tutti.

Foto Tabocchini / Macerata Opera Festival

Foto di Gianfranco Bernardo

La stagione estiva realizzata dalla Los Angeles Philharmonic nell’antico anfiteatro conosciuto come Hollywood Bowl ha presentato un programma monografico mozartiano. Il concerto è iniziato con la esecuzione degli interludi dal Thamos re d’Egitto opera originale di Tobias Philipp per la quale Mozart scrisse tra il 1773 e il 1780 le “entr’actes”   K 345 e 336. Questi interludi si delineano come una sorta di mini-sinfonia di carattere impetuoso e in una tinta tipicamente mozartiana con chiare reminiscenze della musica di Idomeneo. Da sottolineare la leggerezza degli strumenti ad arco e, nelle parti più serene come l’interludio Andante hanno brillato i fagotti e l’oboe solista che primeggiato nell’intero movimento.
Seguiva una splendida ed emozionante esecuzione del Concerto per due pianoforti K 365 con la presenza delle sorelle Katia e Marielle Labèque, capaci di creare un vero dialogo in interscambio tra i due strumenti, passando attraverso il lirico e espansivo Allegro, il raffinato e Andante, per concludere con un ritmico e agile Rondò nel quale, particolamente Katia, sapeva trasmettere grande abilità e armonia. Ottimo l’accompagnamento orchestrale.
Infine, la Sinfonia No. 36 in do maggiore K 425 “Linz”, un brano che ha brillato più per la fluidità naturale e il fascino irresistibile contenuto nella musica di Mozart che per la irregolare e poco convincente direzione del direttore inglese Nicholas McGegan (conosciuto per il suo impegno nella musica barocca al Goettingen Intenational Handel Festival e nel teatro di Drottmingholm in Svezia) meccanica e senza dinamica che ha causato anche una mancanza di equilibrio tra gli strumenti decisamente fastidiosa.

Tolomeo andata in scena  per la prima volta il 30 aprile 1729 al King’s Theatre di Londra, con un quartetto di “stars” dell’epoca: il Senesino (Tolomeo), Francesca Cuzzoni (Seleuce), Faustina Bordini (Elisa), Giuseppe Maria Boschi (Araspe)rappresenta un lavoro piuttosto anomalo nella produzione handeliana.  Come afferma Paul Henry Lang.” E’ una strana opera, assolutamente non drammatica ed episodica, manca di recitativi ed è praticamente una vera e propria  opera ad arie sul genere delle vecchie opere di Scarlatti. Molte arie sono bellissime…belle scene elegiache e pastorali, tuttavia nel complesso è soltanto una raccolta di gradevoli pezzi da concerto.”:
Aldilà di questo giudizio, che si può o no condividere,  in questa opera dove il valore delle arie è comunque  primario,  sono fondamentali gli interpreti e  possiamo dire che  nella produzione del Gimmerglass Opera Festival,  si sono viste e sentite  tre sensazionali prestazioni come quella della soprano-mezzosoprano canadese Julie Boulianne come  Elisa, quella del controtenore statunitense Anthony Roth Costanzo come Tolomeo e del soprano statunitentense  Joélle Harvey. La  Boulianne, in particolare,  canta e recita con grande disinvoltura. La sua voce, dotata di un centro corposo, sicura e brillante  nel registro acuto, agguerrita nelle agilità e in grado di cantare con la medesima  intensità ed espressività sia nelle arie più liriche come  in quelle più scopertamente virtuosostiche. Una cantante perfettamente adeguata alla vocalità del ruolo.
E’ noto come la struttura delle opere di Handel e del Barocco in genere, altro non è se non un alternarsi di numeri chiusi, composti di recitativi e arie.  Una sequenza che può  sembrare interminabile e di poco interesse teatrale.   Il regista Chas Rader-Shieber per cercare di uscire da questa situazione ha pensato di raffigurare visivamente quelle che sono le situazioni espresse nelle arie che, molto spesso sono “figurate”, si servono cioè di elementi della natura per esprimere lo stato d’animo del personaggio.  Si sono così visti  stagni con pesci nelle arie dove era presente l’elemento dell’acqua o dei ventilatori quando si fa cenno a “zefiri”, “brezze” o “venti.”  Il regista ha fatto agire tre figure di  domestici che  agiscono sugli elementi della scena, cambiandone gli elementi, intervenendo anche sui personaggi, togliendo loro la parrucca o  accessori degli abiti. Questi , creati da Andrea Hood sono quanto mai eccentrici ed eclettici per epoche e stile: Tolomeo combina a un cappotto del XVIII secolo, o  Elisa  che indossa un abito  “très chic” in tulle. Un allestimento che ha corso il rischio di eccedere in  simbolismo e metafore, ma comunque efficace e vivace, così come lo è stata la direzione d’orchestra di  Christian Curnyn.
Foto Claire McAdams/Glimmerglass Opera.

Il capolavoro di Verdi, assente dal palcoscenico dello Sferisterio dal  1969, è stato riproposto in una nuova produzione firmata da Pier Luigi Pizzi. Dopo aver recensito Faust e Lombardi ci ritroviamo a parlare di Forza che visivamente ci è parsa di poco dissimile  dalle altre opere: una pedana inclinata centrale con gradini, ai lati due grandi praticabili che vanno a formare due croci (l’ unica sostanziale differenza con la scena de I Lombardi ). E una croce incombe dalla parete di fondo dell’Arena che,  per tutta l’opera proietta la sua ombra sulle vicende drammatiche dei  protagonisti. Ancora una volta Pier Luigi Pizzi ha rimarcato il tema dell’intera stagione: “A maggior gloria di Dio”.   I costumi sono senza una precisa linea stilistica (vanno dal 600′ al 900′) , mentre la regia  Pizzi  è stata alquanto minimalista, rasentando l’immobilismo (sembrava quasi di assistere a un concerto in costume).  Fortunatamente le luci di Sergio Rossi hanno saputo creare delle atmosfere e delle suggestioni che hanno salvato  in parte lo spettatore dalla noia, comunque inevitabile.
Sul versante musicale, la direzione d’orchestra di Daniele Callegari ha avuto il pregio di avere vigore e brio, dimostrando una certa flessibilità nell’assecondare i cantanti. Tra questi si attendeva con curiosità la prova del giovane soprano Teresa Romano. La cantante ha messo in luce ottime doti di interprete, una dizione impeccabile e una voce bella, ricca di armonici, duttile. Malgrado ciò, la Romano non arriva a convincere pienamente: il suo fraseggio manca ancora  di una personalità propria.
Modesto l’Alvaro di Zoran Todorovich. La voce è affaticata, la gamma espressiva decisamente limitata e i suoni in alcuni passi sono addirittura sordi. Una prova che non va oltre la correttezza.
Preferiamo non soffermarci sul baritono Marco Di Felice, non in condizioni ottimali perché reduce  da una laringite che lo ha  costretto a cancellare le prime due recite. Ha comunque mostrato di possedere un bello strumento vocale e innate doti interpretative. Lo attendiamo in altre prove.
Roberto Scandiuzzi ha sfoggiato un impasto di grande morbidezza, un canto spontaneo, fluido, tornito e un timbro vellutato e caldo. Altrettanto lodevoli sono l’eloquenza e la solennità del fraseggio.
Anna Maria Chiuri, chiamata a sostituire la prevista Elisabetta Fiorillo, ha cercato di compensare  con l’interpretazione scenica i limiti di una voce discutibile. Nei bassi e nei centri, l’emissione è artefatta, con suoni spesso disuguali e talvolta malfermi. La situazione non è migliore nel  registro acuto, messo a dura prova.
Successo personale per Paolo Pecchioli, un  Melitone arguto,  molto amato dal pubblico che gli ha tributato  vere e proprie ovazioni. Piuttosto anonimo il basso Luca Dall’Amico nel ruolo del Marchese di Calatrava. Bene le parti di fianco. Ottima come sempre la prova del coro lirico marchigiano preparato da David Crescenzi.
Foto Tabocchini / Macerata Opera Festival