L’Opera de Bellas Artes, la compagnia nazionale d’opera del Messico ha presentato La Cenerentola di Rossini nel moderno e piccolo Teatro del Centro Nacional de las Artes, ottimo per il repertorio belcantista e barocco. La compagnia, sta vivendo  un periodo difficile, a causa della chiusura per restauri del Palacio de Bellas Artes, il teatro lirico più importante del paese, la cui riapertura è prevista per il prossimo anno. Il Palacio de Bellas Artes, è stato la culla e il focolare del teatro d’opera in Messico e ha visto anche nascere la carriera di Placido Domingo.
Questa Cenerentola è stata affidata alla regista  Juliana Faesler chi ha optato per raccontare la storia come un cartone animato o un fumetto. Il  risultato è ricco di colore e  anche divertente ma, come succede spesso con questo tipo di operazione è molto facile cadere  in forzature comiche,  che vanno a tradire la grazia,  l’eleganza  e anche gli aspetti malinconici della partitura. Musicalmente la rappresentazione a cui abbiamo assistito se è svolta in modo soddisfacente, anche grazie al dinamismo e l’entusiasmo del direttore francese Sébastian Rouland . Convincenti anche gli interventi del coro diretto dal M° italiano Maurizio Baldin.
Purtroppo nel ruolo della protagonista il  mezzosoprano Guadalupe Paz ha mostrato una voce aspra e piuttosto modesta nel canto d’agilitàità oscura, molto aspra nella sua emissione e alquanto impacciata nel canto d’agilità. Al contrario, il tenore colombiano Hans Ever Mogollón ha sfoggiato una voce luminosa, flessibile e una bella linea di canto. Il basso buffo messicano  Noé Colin,  è un veterano del ruolo di Don Magnifico al quale ha saputo dare un canto vigoroso e vivace, oltre a  ben caratterizzare il personaggio. Positivo anche il bassobaritono Josué Cerón,  un simpatico Dandini, dalla voce omogenea  e tecnicamente sicura. Di buon livello le prove degli altri interpreti.

Foto,  Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) de México

Ecco due nuovi cd che vanno ad arricchire la cospicua discografia dedicata al grande compositore pesarese.  Protagoniste due  voci di mezzosoprano, con, ovviamente, due approcci decisamente diversi a questo repertorio. Joyce Di Donato, lo dice il titolo stesso dell’album, affronta i ruoli scritti da Rossini per Isabella Colbran, la sua più importante interprete femminile.  Dalla scrittura dei ruoli che vanno da Desdemona, fino a Semiramide, passando per Elena e Armida, è evidente che la tessitura della Colbran era quella di un mezzosoprano acuto. Dopo questa considerazione, possiamo dire che la Di Donato, almeno in disco, ha tutte le carte in regola per affrontare questi ruoli. Fino ad oggi, infatti, la cantante americana, non ha interpretato scenicamente nessuno dei ruoli qui incisi. Solo nel 2010 debutterà come Elena de La donna del lago a Ginevra.  In ogni caso, il risultato è encomiabile. Accento, espressività,  una infinita capacità di variare con spericolate colorature,  sciorinate con la giusta carica di edonistico stupore, senza cadere mai nel “meccanico”. Forse, il registro acuto nella registrazione appare un po’ “schiacciato”, ma può essere imputabile ai tecnici del suono che non sempre rendono un buon servizio alle voci. In ogni caso, la Di Donato conferma di essere una autentica fuoriclasse del “belcanto” internazionale. Un disco che merita di essere acquistato!
Meno blasonata della Di Donato, Silvia Tro Santafè, ma non per questo cantante di pochi meriti. Voce timbricamente molto bella, estesa e agile.  Anche per la Santafè parliamo di mezzosoprano “acuto” e non certo di “contralto rossiniano”.  Il mezzosoprano spagnolo, fortunatamente, fino ad oggi si è limitata a cantare la Rosina del Barbiere,  la Isabella dell’Italiana o l’Angelina della Cenerentola, evitando accuratamente i ruoli “seri” che invece qui ha inciso. Nelle arie di Tancredi, Malcom e Arsace, con molta intelligenza, evita spostando verso le zone medio-alte della voce, i passaggi che per lei potrebbe risultare ostici. Un aspetto questo che va un po’ a discapito della natura vocale ma anche interpretiativa dei personaggi, togliendo un po’ di quell’alone di aulica, eroica “virilità” che ne è un po’ il marchio. Visto che la Tro Santafè sfoggia un solido e svettante registro acuto, forse sarebbe stato il caso di affrontare dei ruoli “Colbran”. Un cd interessante che ci fa conoscere una cantante più che mai degna di considerazione e comunque….Viva Rossini!!!

]]> http://www.gbopera.it/archives/4350/feed 0 http://www.gbopera.it/archives/3085 http://www.gbopera.it/archives/3085#comments Wed, 16 Sep 2009 23:10:52 +0000 Lukas Franceschini http://www.gbopera.it/?p=3085

La vivace Scala di  Seta torna ad animare il Rossini Opera Festival.  Un nuovo e brillante allestimento scenico firmato da Damiano Michieletto che  valorizza pienamente la vivacità della musica di Rossina.  Contagiato dal verve registica di Michieletto, anche il direttore musicale, Claudio Scimone, appare si mostra particolarmente “su di giri”, regalandoci una lettura elegante e giocosa.  Compagnia di canto complessivamente valida  sia sul piano vocale che scenico interpretativo.

ROSSINI OPERA FESTIVAL 2009 – XXX Edizione
“LA  SCALA  DI  SETA“
Farsa comica in un atto di Giuseppe Foppa
Musica di GIOACHINO ROSSINI
Edizione critica della Fondazione Rossini in collaborazione con Universal Publishing Ricordi a cura di Anders Wiklund

Dormont – DANIELE  ZANFARDINO
Giulia – OLGA PERETYATKO
Lucilla - ANNA  MALAVASI
Dorvil - JOSE’ MANUEL  ZAPATA
Blansac - CARLO  LEPORE
Germano - PAOLO  BORDOGNA

Orchestra e Haydn di Bolzano e Trento
Direttore: Claudio Scimonre
Regia di Damiano Michieletto – Scene e costumi di Paolo Fantin
Progetto luci di Alessandro Carletti
Nuova Produzione.
Pesaro, 6 agosto 2009 (prova generale)
Il Rossini Opera Festival, nella sua trentennale attività, torna a riproporre “La scala di seta” dopo le versioni registiche firmate da Jean-Pierre Ponnelle e Luca De Filippo affida il nuovo allestimento a Damiano Michieletto, giovane ma già avviato regista veneziano. Sul piano musicale viene proposta l’edizione critica di Anders Wiklund basata sulla fonte autografa trovata a Stoccolma. E’ sì, proprio in Svezia si è trovato il manoscritto originale autografo più antico, 1855, di Gioachino Rossini.  Una storia che ha del rocambolesco: un tal Rudolf Nydahl, prima comandate di marina, poi commerciante di liquori, avendo accumulato una vera fortuna, si ritirò dagli affari per dedicarsi alla passione musicale, studiò anche al Conservatorio di Parigi, e negli tra le due le due guerre mondiali si dedica al collezionismo di spartiti e manoscritti musicali, oltre a quello di Rossini figurano nella collezione, oggi Fondazione Stiftelsen Musikkulturens Framjande, spartiti di Auber, Offenbach, Chopin, Beethoven, Donizetti. Il tenace lavoro di Anders Wiklund ha portato all’edizione critica che è stata da sempre di prassi a Pesaro. Lo stesso musicologo non manca di omaggiare il capitano Nydahl per aver conservato il prezioso manoscritto.
L’opera fa parte di quel gruppo di farse datate 1812 che Rossini scrisse per il Teatro veneziano di San Moisè,  che rappresentano un unicum nella produzione rossiniana che  non tornerà più a comporre atti unici. Piccoli gioielli musicali, spesso sottovalutati, con fortune alterne fin dalle loro prime apparizioni.  Oggi invece ne apprezziamo il pieno valore e ci fanno capire come il giovane Rossini fosse già un musicista “rifinito”, con tutte le carattaristiche del genio. “La scala di seta” si rifà ai canoni settecenteschi dell’opera buffa, un intrigo amoroso costellato di imprevisti, equivoci, e scambi di identità, tutto di quanto più tipico dei maestri del secolo scorso, a cui Rossini aggiunge la sua originalità . La partitura si sviluppa in soli solo otto numeri, come era consuetudine nelle farse, ma che, nelle mani di Rossini trovano un gusto e un sapore unici.
Damiano Michieletto (regia) e Paolo Fantin (scene e costumi)  tornano a Pesaro dopo “La Gazza ladra” del 2007  e  anche in questo caso, centrano l’obiettivo. La scena spoglia di un appartamento apre l’opera, a terra i disegni con la disposizione di mobili nelle relative stanze. Durante la sinfonia un gruppo di operai che arredano gli ambienti.  Ne segue un grande gioco teatrale che sviluppa l’azione in ambienti aperti:arguzia, inventiva, originalità e soprattutto divertimento (raramente mi è capitato di sentire un pubblico cosi coinvolto e divertito!) ne fanno dei piu riusciti allestimenti buffi del Rof.
Alla dinamica moderna e frizzante di Michieletto, rispondeva un altrettanto fantasioso e elegante Fantin nei costumi e nelle scene,  vagamente… Ikea. E’ stato pure sorprendente l’ensemble canoro, molto affiatato e sicuramente pregevole sul piano interpretativo, dove  tutti  si sono perfettamente inseriti nel meccanismo della regia.  Abbiamo ritrovato Olga Peretyatko molto a suo agio nel ruolo della scaltra Giulia, ben più del suo esorido al ROF come Desdemona nell’ Otello del 2007. José Manuel Zapata è un Dorvil sicuramente elegante, ma poco incisivo e monotono. Veri istrioni, Paolo Bordogna un Germano con qualche difficoltà nel sillabato, e Carlo Lepore, un Blansac un po’ ruvido ma simpatico, al quale viene aggiunta un’aria: “Alle voci della gloria” perché il suo personaggio non ha un pezzo solistico.  Il Maestro ALberto Zedda , soccorre lo “sfortunato” Lepore e  gli affida quest’aria e cabaletta scritta da Rossini probabilmente durante gli anni veneziani. Questo stesso numero musicale  venne inserito nell’ “Adelaide d Borgogna” del 2006  e affidato al Berengario di Lorenzo Regazzo, anche lui privo di una parte solistica.  Credo sia una scelta alquanto arbirtraia, oltre che ridicola!.
Il cast era completato da una simpatica Anna Malavasi, Lucilla, e  dal bravo caratterista Daniele Zanfardino nei panni di  Dormont. Tornava a Pesaro, dove mancava dal  lontano 1983,  anno in cui aveva diretto il Mosé in Egitto, Claudio Scimone. Il Maestro padovano, ci è parso in ottima forma: la concertazione è giocosa, attenta ed incalzante . L’ottima Orchestra Haydn di Bolzano e Trento ha contribuito da par suo a decretare il successo di questa bella produzione salutata  da un convinto successo di pubblico.

Il titolo inaugurale della trentesima edizione del Rossini Opera Festival di Pesaro, vide il ritorno di Zelmira. Dopo la prima ripresa del 1995, quest’opera non era più stata riproposta sulle scene pesaresi. Vi ritorna in un nuovo e anche piuttosto brutto allestimento firmato da Giorgio Barberio Corsetti. Vista la pesante situazione economica  che affligge tutti i teatri italiani e non meno Pesaro, tanto valeva riprendere il vecchio allestimento.  Lo si è fatto per altre produzioni lo si poteva benissimo fare anche con questo titolo.  Tralasciando questa polemica,  l’opera è stata proposta nella versione parigina del 1826. Cast dominato dalla presenza di uno smagliante Juan Diego Florez.
Rossini Opera Festival 2009 – XXX Edizione
“ZELMIRA”

Dramma per musica in due atti di Andrea Leone Tottola
Musica di GIOACHINO ROSSINI
Edizione critica della Fondazione Rossini in collaborazione con Universal Publishing Ricordi a cura di Helen Greenwald e Kathleen Kuzmick Hansell – Versione  di Parigi del 1826
Polidoro – ALEX  ESPOSITO
Zelmira – KATE  ALDRICH
Ilo – JUAN DIEGO  FLOREZ
Antenore – GREGORY  KUNDE
Emma – MARIANNA  PIZZOLATO
Leucippo – MIRCO  PALAZZI
Eacide – FRANCISCO  BRITO
Gran Sacerdote  – SAVIO  SPERANDIO
Orchestra e Coro del Teatro Comunale di Bologna
Direttore, Roberto Abbado
Maestro del coro  Paolo Vero – Regia di Giorgio Barberio Corsetti
Scene di Giorgio Barberio Corsetti e Christian Taraborrelli
Costumi di Christian Taraborrelli e Angela Buscemi
Progetto luci di Gianluca Cappelletti
Nuova Produzione.

Pesaro, 6 agosto 2009 (prova generale)
Il Rof 2009 si inaugura con una nuova produzione dell’opera “Zelmira”, allestita in precedenza una sola volta, nel 1995. Doverosa la considerazione sulla necessità di un nuovo allestimento (convinzione ancora piu supportata dopo aver visto questo spettacolo!) visto che dovrebbe ancora esistere il vecchi, non dei piu memorabili, ma comunque sia utilizzato una sola volta. Viste le precarie risorse economiche cui gravano tutti i teatri  e che gravano anche sul Rof che ha tagliato una recita a ogni spettacolo per far quadrare i bilanci, forse sarebbe stato il caso di ragionarci un po’ sopra!
Zelmira fa parte delle opere del ” periodo napoletano” dell’autore,  legate in modo particolare al nome di Isabella Colbran, prima interprete e moglie di Rossini, la cui vocalità è di non facile collocazione, oscillava tra il soprano e il mezzosoprano acuto. A questo periodo creativo fanno parte anche i ruoli tenorili affidati a Giovanni David (Ilo) e Andrea Nozzari (Antenore), due dei piu famosi ed affermati tenori rossiniani di tutti i tempi. Peculiarità dell’opera, un dramma e lieto fine,  sviluppato  attraverso un costante crescendo di tensione drammatica anche grazie a un continuo ampliamento del classico numero chiuso a favore di un blocco musicale unico . Assistiamo dunque a grandi scene come quella di Ilo “Terra amica”, un autentico gioiello musicale di alta difficoltà vocale. Zelmira andò in scena al Teatro San Carlo di Napoli la sera del 16 febbraio 1822 con esito trionfale,. L’edizione scelta dal Festival è quella di Parigi del 1826, che differenzia in pochi punti rispetto a quella napoletana, ricordando che vi è, precedentemente, anche una versione viennese. Le modifiche più appariscenti sono: la nuova aria di Antenore che a Parigi fu interpretato da Bordogni, tenore contraltino primo Libenskof nel “Viaggio a Reims” caratterizzata da una linea di canto piuttosto lineare e poco fiorettata, il finale dell’opera,  che vede, per la  parte di Zelmira (l’interprete era Giuditta Pasta) l’inserimento di un’aria di grande espressività, “Da te spero ciel clemente” , che si sviluppa poi in una stretta presa in prestito dalla grande scena di Ermione nel secondo atto.  L’opera si chiude con l’originale “allegro”, “Riedi al soglio” , cantato da Zelmira con interventi di Polidoro e Ilo, quest’ultimo impegnato in ardui passaggi virtuosisitici, grande effetto (l’Ilo parigino era era Giambattista Rubini). A Parigi venne inoltre inserita l’aria di Emma “Ciel pietoso, ciel clemente” scritta per Fanny Eckerling, interprete del ruolo a Vienna (non particolarmente gradita a Rossini), qui però cantava Adelaide Schiassetti (prima Melibea nel Viaggio a Reims) si  presume che Rossini acconsentì all’inserimento della scena.
Venendo alla stretta attualità, a Pesaro, nel complesso le cose non sono andate malissimo. Gregory Kunde, che appare oggi come una sorta di “baritenore” in Antenore, appare decisamente più a suo agio rispetto alle  sue ultime interpretazioni nell’ Otello e in Ermione. Da grande stilista qual’ è,  Kunde supera i limiti di uno strumento vocale piuttosto logoro, grazie  a un fraseggio vario ed energico, oltre a un encomiabile uso del canto di forza. Juan Diego Florez ha dominato la parte terribile e difficilissima di Ilo con grande maestria e capacità vocale. Ha inoltre nasaleggiato meno del solito, e ha ripetutamene dimostrato, ce ne fosse bisogno, che il suo canto è basato su una tecnica di altissimo valore e precisione, non ha cantato le quartine finali con i mi  scritti per Rubini (non lo pretendevamo neppure!) ma avrebbe potuto essere un po’ più espressivo nei recitativi, un tantino monocordi. Buona anche la prova di Marianna Pizzolato, Emma, che nella citata aria parigina, a parte certi suoni troppo “coperti” da sembrare un po’ “tubati” ha mostrato un ottimo di livello di tecnica ed espressività, qualità già messe in luce nel bellissimo duetto con Zelmira “Perché mi guardi e piangi” , nel quale ha surclassato di gran lunga la Aldrich. Trovo invece incomprensibile come il bravo Alex Esposito, basso-baritono, abbia accettato il ruolo di Polidoro, un ruolo da basso nobile e oltremodo piuttosto virtuosistico, tutto l’opposto di quello che è lui.  Si è chiaramente sentito come stesse cantando in una tessitura troppo onerosa per i suoi attuali mezzi vocali e tecnici. Discreta la compagine delle parti di fianco, con il Leucippo di Mirco Palazzi, giovane molto dotato vocalmente ma con una tecnica non sempre ortodossa.  Ho lasciato per ultima la protagonista, il mezzosoprano Kate Aldrich. Un festival specializzato come quello di Pesaro avrebbe il compito di arruolare cantanti quanto meno stilisticamente proponibili. La Aldrich, che ho sentito a Bologna dove è stata una mediocre Adalgisa, qui si conferma essere una cantante anonima e tecnicamente inadeguata. Vistose carenze nell’espressione, nelle agilità di forza, nel legato, salendo poi, ascoltiamo suoni schiacciati e striduli.  E pensare che veniva sbandierata come la sorpresa del festival! ( Voci di corridoio già parlavano della Aldrich come già scritturata per il ROF 2010  e non certo in un ruolo marginale!). Roberto Abbado ha guidato l’intera compagnia con molto garbo e stile, anche se è parso meno incisivo e incalzante dell’ Ermione dello scorso anno. Una concertazione equilibrata, con momenti di grande pathos, anche grazie alla buona orchestra del Comunale di Bologna. Il direttore ha avuto il suo bel da fare a tenere in riga palcoscenico e orchestra, ma l’impresa è riuscita in larga misura.
La parte visiva è stata invece la parte debole di questa ripresa di Zelmira, per tale ragione, forse era meglio riprendere l’edizione del 1995! Scialbo e banale, con alcune idee che avrebbero  anche potuto essere originali , ma rimaste in stato embrionale o  sviluppate malamente, Barberio Corsetti immerge nel buio tutta l’opera. Pochi gli elementi in scena: sabbia, due statue sospese,  unico elemento interessante il sottosuolo proiettato su un grande specchio sul fondo. Stop, null’altro ale, ma senza mimica, senza azione, alla fine annoiava. Costumi moderni cappotti da guerra, solite divise, fucili, mitragliatori e quant’altro, ormai credo si sta toccando il fondo (se già non lo si è toccato!), visto che sono operazioni che, aldilà dell’apparenza non hanno delle vere  idee e quelle poche strampalate. Due esempi: il figlio di Zelmira  viene presentato come un neonato, nella vicenda si narra invece che il marito, Ilo ritorna in Patria dopo qualche anno! Polidoro? Ad ogni sua apparizione in scena viene  gettato a terra,  sfiorando il ridicolo!. Successo incondizionato per i cantanti e il direttore, dissensi e pochi applausi per il regista (alla prima, sonoramente contestato!).